一、独唱训练
（一）气息训练
气息在声乐演唱中的重要作用是不言而喻的。气息是歌唱的动力源泉，就好比发动机，歌唱的过程也就是气息的运用过程，歌唱中的气息和我们日常生活中的气息的区别就在于对气息的控制。这就好比有的人肺活量很大，吸气的时候能吸入大量的气，但是当进行演唱的时候却总是觉得自己的气不够用，有上气不接下气的感觉，这就是没有良好的气息控制技术所导致的问题。那么我们在声乐教学中对于呼吸的训练要求主要体现在是否能够掌握良好的气息控制技术。
气息的吸入量以深入、饱满而又适量为标准，能够维持所唱乐句的长度即可，最关键在于身体机能对吸入气息的控制能力和维持水平。
在独唱中，要结合歌唱乐句的长短以及音符的高低、音量的大小而进行适量的呼吸，从而使歌唱更加放松自然。吸气要运用呼吸器官，在腰腹力量的配合下要吸得深入而且饱满，这样的吸气能够为接下来的演唱积蓄充足的力量。在演唱过程中，要始终保持吸气时候的状态，也就是横膈膜下推，腰腹向外扩张，用意念想象自己像踩着筋斗云一样，周围充满了气体以及能量，所以我们经常会感到出色的独唱演员在演唱时就像身边围绕着一股强大的气场，气息对声音的支撑所带来的听觉感受已然超越了歌唱家本人所占据的空间大小，这便是强大的气场所致。独唱中始终保持喉咙放松、自然打开，声门也要保持吸气的状态，这就像我们在呼吸练习中常常拿来比喻的“打哈欠” 的状态，因为“打哈欠”可以让喉头适度地放松，软腭、上腭自然地提起，喉咙部位的状态完全打开了，空间开阔了，气也就自然而然地顺畅吸入了。
（二）起音训练
在独唱声乐教学中，弱起音要求演唱者气息准备更加充分，按发声原理来讲，弱起音要求演唱者气息准备非常充分，并控制好气息的输出，让气息缓缓地通过声门。这一点我们可以借鉴我国民族声乐中“声断气不断”的感觉，用气息慢慢地带出声音。通常弱起音的歌曲节奏比较缓慢，能够给予演唱者充分的时间来进行吸气。在演唱时，一定要让气息先于自己的声音。可以适当地放掉一些气息，也就是说让自己的气息先通过声门进行试探，然后再放声，这样便能保证起音的质量。这个尺度的把握，需要我们在日常的声乐教学实践以及正确的训练方法中去提高。如果我们在吸好气的基础上直接放声演唱，很容易把弱起音的音头唱得很硬、很强，这便破坏了歌曲的意境。
硬起音的声乐作品一般比较雄壮，富有激情，情感上也比较热烈。这类作品要么节奏很快，要么乐句很长。我们常常接触到的这类作品中，歌剧咏叹调占大多数。因为咏叹调大多以独唱的形式来表达剧中人物的情感，剧情冲突比较紧张热切，故常常在演唱这类作品时，一般都会用硬起音。
很多声乐学习者会觉得硬起音没什么难度，非常容易获得，甚至误以为硬起音无非就是加大些力度，或者干脆直接用嗓子喊出来，这些习惯或观念都是非常错误并且危险的。因为硬起音通常需要演唱者用强或非常强的力度来演唱，这就需要我们用大量的气息来冲击声门，声带也必然会拉得很紧，以达到让声音集中的目的。如果长时间地练习硬起音，而没有用科学的方法，结果就会使我们的声音与喉头十分僵硬，表达作品也会生硬而没有色彩，严重的还会出现声带充血松弛、闭合不全等嗓音疾病。所以这就需要声乐教师在平时的声乐教学中给予正确的、科学的引导。
在声乐教学中，对比这两种起音方式在歌唱中的运用，应该把练好软起音当作一项基本功来反复不停地练习。软起音能让演唱者更明显地感受到自己气息和声音状态的关系，还能对我们控制气息和发声有很大的帮助。除此之外，由于软起音消耗的能量较少，还可以使得演唱者坚持演唱的时间更长，表现得更加从容。
（三）共鸣训练(https://www.daowen.com)
独唱演员在表现一首声乐作品时，歌者本身是一个完整的个体，从声音角度来说，发出的声音所带来的共鸣腔体的运用同样是完全独立的，所以歌者可以按照声乐作品的演唱要求和自己对作品的深入理解以及特定感受来处理声音，其中最重要的处理便是对于共鸣腔体的运用。我们会发现，不同的歌唱家，拥有着不同听觉效果的共鸣腔体。但是能够从容自如地控制“共鸣腔体”的响度和力度，就一定具备非常出色的声音表现。独唱演员从声带发出的“基音”，必然会通过共鸣腔体产生泛音。泛音是以“基音” 的震动为基础，“基音”其余的二分之一、三分之一或四分之一的各个部分都同时震动，每个人发声时都可以产生泛音，所以泛音决定了独唱演员的不同的音色特点。歌唱中的“基音”其实是很微弱的，只有当“基音”通过共鸣腔体引起共振才能获得美化声音的效果。所以独唱中的声音表现必须具备正确运用共鸣腔体和器官的能力。
1.胸腔共鸣
胸腔共鸣是声乐演唱共鸣的基础。无论我们演唱哪个声区的音，胸腔共鸣都像大树的根一样牢牢地支撑着我们的声音。对于声乐初学者来说，胸腔共鸣是比较容易体会的，通过简单的用手直接触摸的方式就能明显地感受到胸腔的共振，从而在发声上做出调整。我们可以轻轻地合上嘴唇，将喉头和下腭自然放松，在小字组“a”音或“b” 音的位置轻轻哼出“m”，同时把一只手掌轻抚在胸骨前，如果能够感受到明显的震动，则说明胸腔中的声波在震动。当我们的声带发出的声音通过喉头和气管而产生震动，那么胸腔的气柱也就会跟着一起震动，这就是胸腔共鸣的直接感受。
所以在声乐教学中，关键在于找到胸腔共鸣的支点，对胸腔共鸣的练习可以跟气息的练习结合起来，“气泡音”练习是比较好的一种方式。首先，在独唱训练时，“气泡音”是很好的一种检验我们喉头是否放松的方式。如果喉头位置过高，喉咙紧张的话是做不出一个好的“气泡音”的。再者，通过“气泡音”可以引导我们的声音找到最佳的共鸣位置。
2.头腔共鸣
在独唱中，女高音和男高音相较其他声部往往更能俘获听众的心，这是因为高音区的歌声更加高亢、明亮，金属质感强、穿透力棒。但是，再高的音调如果没有头腔共鸣的运用，声音便不具备任何的感染力。这是因为头腔共鸣的运用可以增强声音的表情达意和艺术气氛，学会运用头腔共鸣，就能获得高质量的声音，并且在极大程度上减轻声带的疲劳和损伤。除了艺术层面上的表现，在声学研究方面对声带的保护和科学用嗓方面也起到了不容忽视的作用。
头腔共鸣主要是由声带振动引起口腔和鼻咽腔的振动再通过鼻窦、蝶窦等部位和头骨的传导而获得的。通俗一点来说，就是歌唱时感觉自己的喉头和头顶之间有一条通道，要让声音通过这条通道到达眼睛和眉心甚至是头顶的位置。只有声音到达了这些位置，头部空间里面的共鸣腔体才能得到最佳的应用。想象我们的头骨内侧就好似一个小小的回音壁，当我们的声音经过管道进入回音壁时，环绕着的墙壁必然会有一定程度的回响。所以，并不是说拥有了头腔共鸣就一定能唱出好的声音，好的声音是由诸多因素和条件构成的。但是，如果没有头腔共鸣，就一定无法拥有好的声音。因此，头腔共鸣的重要性不言而喻。
3.口腔共鸣
口腔共鸣在声乐演唱中，共鸣作用不如头腔共鸣和胸腔共鸣那般重要。主要作用体现在歌唱的语言方面，由于声乐演唱和日常语言所用的发声状态是截然不同的，如果在演唱中过多地使用口腔共鸣，就会使我们的声音发扁、发白，且不能较好地集中，这就违背了美声唱法。对于声乐共鸣这也是很多声乐初学者常有的问题，所以在声乐教学中，对于初学者应该要求他们从说话开始改起，将日常的说话状态往演唱状态上去靠。我们常说的“说话都要挂着位置”就是这个意思。优秀的歌唱家往往一张嘴说话就是一个非常好的歌唱状态。所以对于声乐学习者来说要时刻以歌唱的方式来说话，把说话当作练声，这样长此以往，不仅能够让我们的演唱状态时刻保持，还能使我们的说话声音变得非常动听。