第三节　西方绘画

第三节　西方绘画

一、西洋画发展概况

西洋画是从古希腊、古罗马发展起来的，以欧洲为中心，以油画为主。在公元前5—公元前4世纪，古希腊的艺术已进入繁盛时期，雕塑、建筑、绘画、音乐都取得空前发展。古罗马的文化艺术是继承希腊的成就而产生。至中世纪，在封建统治下，宗教意识渗透到各个角落，在文化艺术上极力排斥异端，使欧洲文化艺术进入停滞的黑暗时期。文艺复兴的原意是在古典规范的影响下艺术和文学的复兴，意指古希腊罗马文化的再生。在西方文明的童年时期，古希腊哲学家普罗泰戈拉说出“人是万物的尺度”，那是一种什么样的自信!在古希腊神话中，神人同形同性，而城邦国家的奴隶主民主政体要求公民既要有健壮的体格又要有完美的心灵。由此才有了希腊艺术中的理想形象:典雅宁静的气质与运动员一样的体魄。宁静、和谐、静穆、伟大，成为古希腊罗马艺术的最高标准。

18世纪末—19世纪中叶，欧洲进入近代史阶段，资本主义经济得到迅速发展。法国于1789年兴起了资产阶级的启蒙主义运动，发生了资产阶级大革命，1871年，爆发了巴黎公社运动。随着革命形势发展和文艺思潮的变化，法国艺坛产生了古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义等流派，其影响遍及全欧洲。法国成为欧洲美术的中心。当时现实主义艺术逐渐成为主流。现实主义绘画的发展，造就了一批优秀的艺术家，有描绘自然风景的巴比松画派，代表作家为柯罗、卢梭，有杰出的农民画家米勒，现实主义画家库尔贝，政治讽刺画家杜米埃等。

19世纪中叶—20世纪初，西方一些主要的资本主义国家已过渡到帝国主义阶段。欧洲各国美术也产生了各种变化。有的沿着现实主义创作道路不断发展，著名的画家有英国的惠斯勒，俄国的苏里柯夫、列宾，德国的门采尔、珂勒惠支等。在法国出现了印象主义画派，使绘画突破了传统表现手法，加强了作品的表现力与感染力，被视为色彩与绘画的一次革命。该派的奠其人为莫奈，主将为德加。以后还产生了后期印象主义，强调画家的主观感受，并不全注重光的表现，而注重色彩的对比来表现物体的体积感、装饰性及造型性，对后来的立体派、野兽派有很大影响。代表画家为塞尚、高更、凡高等。

20世纪初，西方相继出现了现代美术诸多流派，有野兽派、立体派、未来派、表现主义、抽象主义、流行艺术、超现实主义等。其政治色彩、艺术倾向与主张都不相同，各自标新立异。但它们的共同特征是否定内容决定形式的原则，强调艺术形式脱离内容而独立。其哲学基础是唯心主义的。现代派的作品有的暴露了西方世界社会黑暗，使人们对资本主义社会现状有一定的认识价值，在绘画形式上手法上的多样创新，有的可以作为借鉴。但有的作品由于追求形式上的新奇，着重表现自我，否认社会生活是创作的源泉，以至不惜破坏艺术规律，不去表现人们社会生活美的形象而散布腐朽的艺术趣味，出现胡乱涂抹的丑恶画面，使作品达到十分荒谬而无法理解的地步，背离了艺术与审美的原则。

二、欧洲绘画三巨匠达·芬奇、拉菲尔、米开朗基罗

(1)达·芬奇被称为“旷世奇才”。他对建筑，雕刻和绘画的创作都以大量素描，甚至每个手势都准备了充分的为构思和研究的基础，从构思到每个人物素描习作及写生，他的素描起了相当于甚或超过现代摄影术的作用。达·芬奇在人文主义思想影响下，开始为表现人的感情而费尽心机，他还从解剖和生理学上进行研究，探索隐藏在皮肤下面的脸部肌肉的微笑状态，研究人在轻松愉快时的心理变化与反应过程。

达·芬奇15岁开始在画家A.del韦罗基奥的作坊学艺。1472年，入画家行会。15世纪70年代中期，个人绘画风格逐渐成熟。1482—1499年居留法国，《最后的晚餐》则是他的代表作。1500年出游曼图亚和威尼斯等地。1506年，回到佛罗伦萨，创作《圣母子与圣安娜》和《蒙娜丽莎》。1516年，又到法国，最后，定居昂布瓦斯。晚年极少作画，潜心科学研究，去世时留下大量笔记手稿，内容从物理、数学到生物解剖，几乎无所不包。他一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。学术界一般将其创作活动分为早期和盛期两个阶段。

《最后的晚餐》是他最负盛名之作。这幅表现基督被捕前和门徒最后会餐诀别场面的壁画，绘制在米兰圣玛丽亚修道院饭厅。巧妙的构图和独具匠心的经营布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结在一起，使观者感觉画中的情景似乎就发生在眼前。在人物布局上，一反平列于饭桌的形式，将基督独立于画面中央，其他门徒通过各自不同的手势、表情，分别表现出惊恐、愤怒、怀疑、剖白和慌张的情绪。这种典型性格的描绘，突出了绘画的主题，它与构图的统一效果互为补充，堪称美术史上最完美的典范之作。《最后的晚餐》(约1498年)(壁画:纵460厘米，横880厘米)达·芬奇人生坎坷，30岁投奔米兰公爵，让他画圣玛丽亚修道院饭厅壁画。他极其认真作画，一个月成，公爵非常赏识，请米兰大画家鉴赏，声誉大震。

在庆祝逾越节的前夜，耶稣和他的12门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。餐桌旁共13人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。

在餐桌上，耶稣突然感到烦恼，他告诉他的门徒，他们其中的一个将出卖他;但耶稣并没说他就是犹大，众门徒也不知道谁将会出卖耶稣。

意大利伟大的艺术家列奥纳多·达·芬奇的《最后的晚餐》，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。这幅画，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。沿着餐桌坐着12门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。

大多数门徒在激动中一跃而起，而耶稣的形象却是那么的平静。我们可以看到他明晰的轮廓衬托在背景墙的窗子里，通过窗子，我们看见恬静的景色，湛蓝的天空犹如一只光轮环绕在耶稣的头上。

在耶稣右边的一组中，我们看到一个黑暗的面容，他朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。我们知道他就是那个叛徒，犹大。

犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的30块银币的赏钱。

即使他没有拿着那只钱袋，我们也能通过达·芬奇的绘画方式，辨别出这个罪恶的敌人犹大。

犹大的侧面阴影旁是彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白皙的手，他向年轻的约翰靠去。彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。约翰的头朝彼得垂着。在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。约翰像耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。

耶稣左是小雅各，他力图理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。

从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。

小雅各的另一边，菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说:“你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。

围着耶稣的这六个门徒，处于故事的发生的中心。巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。

《蒙娜丽莎》(木板油画:纵77厘米，横53厘米)这幅肖像花了达.芬奇四年的时间，当他完成这幅肖像之后，不愿把它交给佐贡多(富商，蒙娜丽莎的丈夫)或其他任何人。当他受到法国国王的邀请时，便带着这幅肖像离开意大利去了法国。达·芬奇是在法国去世的，这就是为什么《蒙娜丽莎》这幅画在法国的缘故。人们一直在谈论她那神秘的微笑，它似乎在变化。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的”神秘的微笑”。达·芬奇在为蒙娜丽莎绘画时，请了位乐师在她旁边弹奏，以便她能像个模特儿那样耐心平静地坐着。她眼中的神情告诉我们她正在倾听。她的右手轻轻地放在左手上，中指根本没有任何依托，我们感到它正和着音乐的节奏轻轻地打着拍子。当我们看着这幅如此逼真的肖像画背后的景色，我们会为那不真实的背景吃惊。山峰、道路、小桥、流水都在一种梦幻般、飘拂不定的气氛里出现，仿佛以此证明蒙娜丽莎的思绪沉浸在一个梦的世界里。

《蒙娜丽莎》那神秘的微笑，那柔润而微红的面颊，内心牵动着的双唇，那含蓄、模棱两可的微笑，总让人琢磨不透。《蒙娜丽莎》是当时佛罗伦萨著名的银行家佐贡多的妻子。达·芬奇为了唤起她发自内心的情感，曾经请到了钢琴师为她演奏、丑角为她表演。但是，这个见多识广，冷漠、理性的女人并没有使画家得到他想要捕捉到的东西，为此，画家不得不将画作断断续续地延迟了三年。有一天，这个富贵人在翻阅画家草图的时候，忽然发现了画着鸭掌的图画，她感到非常疑惑。画家说，这是他为研究和设计飞行器而画的，因为水流和气流;水浮力和大气浮力;鸭子在水中滑行和飞禽在空飞翔有某种相似之处。鸭掌滑水动作虽然简单，但隐藏着飞行器飞行的某种秘密。这个冷漠、理性的女人听到这番话，又想到飞行器一旦设计成功，人类将可以在空中自由飞翔的情景，顿时引起了很大震动，并由衷地发出了微笑。这一难得而发自内心深处的微笑立即被达·芬奇捕捉到了，并把它成功地塑造了出来。《蒙娜丽莎》是我们大家所共同拥有的人性特质的某种精微的东西。也许，这就是《蒙娜丽莎》巨大魅力的所在。《蒙娜丽莎》继承了希腊古典主义庄重、典雅、均衡、稳定和富有理想化、理性化的表现规范;但它又进一步突破了希腊古典艺术在人本特质上的局限，为使后来的艺术更进一步走向现实，走向客观，走向更深层，更内在，更微妙的表现树立了楷模。

(2)拉斐尔(1483—1520年)。从小随父学画，7岁丧母，11岁丧父，进画家画室当助手，学习了15世纪佛罗伦萨艺术家的作品，走上了独创的道路。从22岁到25岁创作了大量圣母像，从此声名大扬。他没有达·芬奇那样经验丰富博学深思，也没有米开朗基罗的雄强伟健的英雄气概。可是他虽然只活了37岁，却成为文艺复兴盛期最红的画家。他的风格代表了当时人们最崇尚的审美趣味。他是个绝顶聪明的人，他的聪明特别表现在善于汲取他人之长，而后加以综合的创造。他一生创作了不少作品，其中，《大公的圣母》和《教皇利奥十世》等，还作了一些建筑设计，并为西斯廷小教堂设计画稿。他的才能又表现在他创造出最合乎当时人们的口味的形象。风格被特称为一种“秀美”的风格，不仅使当时人倾倒，而且延续了400年之久，成为后世古典主义者认为不可企及的典范。

《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。这幅画是教皇朱理亚二世送给皮亚琴察西斯廷教堂黑衣修士的礼品，拉斐尔受托而为这一教堂的祭坛作画。画面表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的男性长者乃教皇西斯克特，他向圣母圣子做出欢迎的姿态。而稍作跪状的年轻女子乃圣母的信徒渥娃拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母圣子的崇敬和恭顺。位于中心的圣母体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，扒在下方的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上。拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处，显示出高雅、柔媚、和谐、明快的格调，因而使人获得一种清新、纯洁、高尚、升华的精神享受。

《雅典学院》(壁画:底边长770厘米)作者把古希腊以来的著名哲学家和思想家聚于一堂，其中，包括亚里士多德、苏格拉底、柏拉图、毕达哥拉斯，还有艺术家自己。整个壁画洋溢着浓厚的学术研究和自由辩论的空气，所有的人们都是那样毫无拘束地按照自己的意志和个性在进行活动，他们或者在一起侃侃而谈，或者是独个儿在那里进行思考，人物或立，或坐，或缓步走动，人文主义的艺术家总是设法使画面上的人物享有充分的自由。如果说米开朗基罗的壁画是在颂扬人的无限强大的意志和创造力，那么，拉斐尔的《雅典学院》便是唱出引人的自觉和清醒理智的赞歌。在此画中，拉斐尔不仅塑造了那些思想家的典型形象，揭示了他们各自不同的性格特征和丰富的精神面貌，而且在构图上还巧妙地利用建筑的特点，把画面上背景，建筑物的透视和前面真实建筑物的半圆拱门连接起来，扩大了壁画的空间效果，使建筑物显得更加宽敞、壮丽。拉斐尔西斯廷圣母便是如此。

(3)米开朗基罗(475—1564年)。以他超越时空的宏伟作品，在生前和后世都造成了无与伦比的巨大影响。他和达·芬奇一样多才多艺，兼雕刻家、画家、建筑家和诗人于一身。他得天独厚地活到了89岁，度过了70多年的艺术生涯，他经历人生坎坷和世态炎凉，使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。

米开朗基罗13岁就进了画室，以神奇的速度掌握了绘画技巧。后来他又进了自由美术学校，由于他的超群才华备受罗伦佐的重视和爱护，宫廷中大量的艺术品成了他学习、研究的对象，经常出入于宫中的人文主义诗人和学者也给了他极大影响。短短四年中，为他整个艺术创作打下了坚实基础。

西斯廷教堂天顶画:《创造亚当》、《末日审判》

梵蒂冈是位于意大利首都罗马市西北角的宗教国家，面积只有0.44平方千米，相当于故宫的3/5那么大。它坐落在罗马城西北角的一座山丘上，是一个典型的城中之国。它是8亿天主教徒的精神中心。梵蒂冈原本不是一个世俗国。公元765年，古罗马法兰克国王丕平，把罗马城及周边地区赠送给了罗马教皇斯提芬二世，此后的教皇势力日益扩张，及至意大利中部地区。罗马逐渐成了西欧教会的中心。1870年，意大利全国统一，王国收复了教皇的领地，剥夺了教皇的世俗权力，逼教皇退居到梵蒂冈，而教皇则不承认意大利国王，不承认教皇国的灭亡，直到1929年，双方签订了《拉特兰条约》，矛盾才得以和解，也才有了今天的梵蒂冈。

西斯廷教堂因为米开朗基罗创造了《创世记》和《最后的审判》而名扬天下。这两幅壁画工程也是意大利文艺复兴盛期最伟大的艺术贡献。

关于米开朗基罗创作西斯廷教堂壁画，有着一段辛酸的历史过程，1503年，教皇朱理二世取得圣彼得王位后，便想把整个意大利归在他的教权统治下。他要改建梵蒂冈，兴修圣彼得大教堂，装饰豪华的罗马宫廷，便请来了建筑家布拉曼特。五年后，教皇为纪念其叔父西克斯特四世，请布拉曼特重建西斯廷小教堂，尔后又把米开朗基罗招来罗马，让他停下正在进行的陵墓雕塑工程，要他涂掉教堂内的旧壁画，为其重绘天顶上的壁画。米开朗基罗没有办法只好接受。据说布拉曼特与米开朗基罗存有芥蒂，因嫉妒米开朗基罗的雕塑任务，布拉曼特乃说服教皇，使其就范，迫使他放弃雕塑。米开朗基罗建议让布拉曼特帮助制作绘画脚手架。布拉曼特设计了一个悬挂式吊架，在屋顶上凿了好些窟窿。米开朗基罗气愤地问他画到有窟窿处如何办，后者无言答对。米开朗基罗就禀告教皇，撤掉他的吊架，并羞辱了这位建筑家，要求另请帮手。天顶全部画稿完成后，他决定让助手来完成一部分绘制任务。但这些助手一开始就令米开朗基罗不满，于是再度抹掉已画上的部分，由他独自一人来完成全部天顶画。在这间短廊式的500多平方米的天顶上，画家要完成全部壁画加上装饰，时间长达4年5个月，除了配制颜料的助手外，没有第二个人上去帮助他，其绘画工程之浩大和艰巨性甚难想象。当他走下脚手架时，眼睛已经毁坏。事后，他连读信也要把信纸放到头顶上去。那时，米开朗基罗不过37岁，那长期高仰脖子的艰苦作业，使他的脸容变得憔悴不堪，已俨然一个多病的老人了。1508年5月，米开朗基罗开始作画，直到1512年10月31日那幅全长40米，宽14米的巨画终于完成，整幅画面覆盖在天花板上。

西斯廷天顶画以圣经《创世记》为主线，绘画总面积接近600平方米，人物有几百个。在拱顶上，按照它的长矩形(全长40米，宽14米)，在中央分割成九个画面，分别描绘《神分光暗》、《创造日月与动植物》、《创造水和大地》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《原罪·逐出乐园》、《诺亚祭献》、《大洪水》、《诺亚醉酒》等九个主题。周围再以建筑结构等柱壁装饰，把每个画面分隔开。并在每一分隔的区域内四角，画上共20个裸体青年，再在各区域的四个大框内画了12个形体较大的先知与巫女的形象。矩形的两条长边上，共有八个三角档，在档与档之间又画了“基督祖先的故事”，而在矩形两端的四个大三角档内，又画了四个圣经故事:《礼拜铜蛇》、《大卫杀哥利亚》、《哈曼的磔刑》、《朱提斯杀荷罗芬尼斯》，共同组成一首以颂扬人类创造性智慧，赞美人性与人的肉体的美的宏伟的色彩交响曲。其中，每一个主题，每一个画面以及每一个壮美的裸体形象都蕴涵着对人生欢乐与创造力量的肯定。像这样大规模的壁画，如此壮观的天顶画，画得又那样精确、和谐，多彩多姿，并且是出自画家米开朗基罗的一人手笔，这在16世纪以前是不能想象的，它所存在的精神价值在整个艺术史上也是不可估量的。

《创造亚当》左侧那个体魄健壮的裸体青年男子，使我们联想起他那著名的雕像《大卫》，而右侧那个点化人类精英的耶和华，一位年长的智者形象，又使我们联想起他的雕像《摩西像》。他后面由一群天使拥戴着，背景空无一物，象征广袤的宇宙空间。这幅宗教画给人以新的提示，那就是说，创造生命的力量存在于无限的空间，亚当与人类的创造者，在这茫茫的太空中是真正的主宰，他们可以自由地创造一切!当拉斐尔看了这幅巨大的天顶画之后，不禁感慨地说:“米开朗基罗是用上帝一样杰出的天赋创造这个艺术世界的!”据报道，为了抢救天顶壁画，由詹路易吉·科拉卢西为首的修复小组，利用现代技术，经九年时间，现已修复如初。

《创造日月与动植物》这幅画中，慈祥而威严的上帝正把右手伸向那个活生生健美的青年男子亚当，好像在给予亚当以力量和生命，亚当从睡梦中苏醒过来，满脸流露着希望的目光，他那左臂轻轻地靠在曲起的左腿膝盖上，好像他就要站了起来。再仔细看看，上帝的指尖将要触到亚当的指尖，这两个指尖之间只差分毫，亚当似乎全神贯注看着这两只将要接触的手。

1535年末，米开朗基罗已年逾60，教皇仍要他为西斯廷教堂祭坛后面的大墙上绘制壁画。西斯廷教堂天顶画画后，教皇兴奋异常，根本不顾艺术家年事已高，企图“让他显示其绘画艺术的全部威力”。这种疯狂的艺术剥削行为，使米开朗基罗身心俱悴。老艺术家从1535年末至1541年10月31日止，用了近六年的时间，完成了这一幅体现着画家大无畏艺术魄力的多人物构图《最后的审判》，在这块将近200平方米的祭坛后的大墙上，他绘出了数以百计的等身大小的裸体群像。

这幅壁画也和天顶画一样，是由米开朗基罗独力完成的。《最后的审判》是圣经的传统题材，在所有的教堂里几乎都有这个主题的壁画。它无非是宣传人死后凡行善升天，作恶入地的因果报应。基督教义说，耶稣被钉死后复活，最后升入天国。他在天国的宝座上开始审判凡人灵魂，此时天和大地在他面前分开，世间一无阻拦，大小死者幽灵都聚集到耶稣面前，听从他宣谈生命之册，订定善恶。凡罪人被罚入火湖，作第二次死，即灵魂之死，凡善者，耶稣赐他生命之水，以求灵魂永生。

画家借题表现了许多代表人类正义的呼声的精神形象:在画面最上端，即靠近天顶两个拱形下，左右各绘了一组不带翅膀的天使，他们围住耶稣的刑具，左面一组抱的是十字架，右面一组抱的是耻辱柱。两组人物在云端里向中央倾斜。下面占中心地位的是耶稣形象，这个形象与以往壁画上的耶稣均有不同，他是个壮年英雄，神态威严，不大像圣经上的救世主，倒像一个公正的裁判员。他高举右臂宣告审判开始。在他右侧的圣母玛利亚，正蜷缩在耶稣身旁，用手拽紧头巾和外衣，不敢去正视这场悲剧，“世界的末日”，对这位善良的妇女来说是太可怕了。

在耶稣的左侧(即画面的右方)，有体形高大而年迈的使徒彼得，他拿着城门钥匙正要交给耶稣。在最右边，还可找到背负十字架的安德烈，拿着一束箭的殉道者塞巴斯提安，手持车轮的加德林，带着铁栅栏的劳伦蒂。在耶稣左侧的下面，有十二门徒之一的巴多罗买，一个脸上布满惊骇状的老人形象。他手提着一张从他身上扒下来的人皮，这张人皮的脸就是米开朗基罗自己被扭曲了的脸形。这是米开朗基罗有意这样添加上去的。这些人物都拿着生前被折磨死的用具，诉说着自己的痛苦。

在耶稣的右边也有许多历史与神话人物:那个左手背小梯子的，通常被认为是亚当，后面围红头巾的女人即是夏娃。另一个体格壮实的裸体老人，即是圣保罗形象。在这些使徒的下面，是一些被打入地狱的罪人，有的在下降，有的因为生前行善，正在渐渐上升，如画面左侧下部地面上有几个呈骷髅状的幽灵，由于他们的善良，骨骼上重新在长出肉来。

在耶稣的中央下部，有一小舟上载七个天使，他们受圣命之差，驾云来到地狱，吹起长长的号角，召唤所有的灵魂前来受审。在这只小舟的右边，有一个头身倒置的、身带钥匙的裸体形象，人们都能指出这是教皇尼古拉三世的权力在下坠的象征，因他生前实行僧侣捐卖制，出卖教职，理应受到惩治。在画面的右下角，有一长着驴耳朵，被大蛇缠身，周围还有一群魔鬼的判官朱诺斯，这里暗指教皇的司礼官，即那个曾在教皇面前攻击米开朗基罗这幅壁画的比阿乔·切萨纳形象。

这幅气势磅礴的大构图，体现了米开朗基罗的人文主义思想，他要用正义来惩罚一切邪恶“末日”意味着人类悲剧的总崩溃，所有这些形象尽管有的有名有姓，有的泛指一定的社会阶层，大上仍未违背宗教公式的模子。艺术家以超人的勇气，全部采用裸体形象来展示，这又一次证实了他敢于肯定人的意义。

米开朗基罗的原则是，执行艺术主要任务的道是人体，因为他们最能体现人的品质。1546年，司礼官切萨纳却在新教皇面前搬弄是非说:“在一个神圣的地方，画这么多显露全身的裸体形象，太不相宜了;这件作品绝对不适用于教堂，倒是可以挂在澡堂或酒店里。”于是，新教皇下令让另一个叫丹尼埃·达·伏尔泰亨的画家，给壁画上所有裸体的下身添画了些布条。后人就给这位画家起了一个诨名“穿裤子的画家”。

《最后的审判》于1541年圣诞节前“开光”了，整个罗马城为之沸腾。人民瞻仰它，视若神明，尤其是壁画中央的那个耶稣，简直是意大利人民英雄形象。艺术家卓越的写实主义，使意大利人民倾倒了。人民从这个形象上似乎听到了真正的天庭惩罚声，他要惩罚那些使祖国忍受耻辱和出卖人民利益的显要人物。他的学生瓦萨里也赶来观看，这位美术史家后来是这样评述米开朗基罗的:“我们已经看到，至高无上的教皇朱理二世、利奥十世、克里门斯七世、保罗三世、朱理三世和庇乌斯五世，都想把他吸引到身旁。同样，土耳其苏丹苏里曼、法国国王弗朗茨·瓦卢亚卡尔五世皇帝、威尼斯元老院、美第奇家族柯西莫公爵，都愿意向他提供荣誉津贴原因不外乎企求分享他的艺术光辉。只有具备他这样崇高威望的人，才能受此厚待。世人都已目睹并且承认，在他那里，三种艺术都被提高到了完美无缺的境地，这种完美，无论是在古代大师那里，还是在近代大师那里，都不曾见过。”

三、世界名画赏析

1.《蒙娜丽莎》——达·芬奇

2.《最后的晚餐》——达·芬奇

3.《向日葵》——梵高

梵高的艺术是伟大的，然而，在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在时代的前面。他以环境来抓住对象，他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此，才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。梵高的《向日葵》，作为一幅静物画，从它色调、布局、花瓶的特定形线构成，以至笔触的运用，油彩技法上的处理，都显示一种既热烈又悲伤、既躁动又孤寂的感情。它的艺术语言的鲜明性与模糊性，它那以黄色为基调的有意味的形式，具有充分的暗示性，召唤欣赏者的审美想象。欣赏者把那沉甸甸的花盘以及各个花盘四周伸展着又扭曲着的花瓣，想象为一种充溢着张力的新生命，它正在那凋残痛苦的旧生命中诞生。那一盘盘葵花在俯仰张弛之间呈现的力的挣扎，可以想象为沉默的、又欲呼喊的人像。画家像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。总之，梵高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。

4.《第一步》——梵高

这作品是梵高临摹自米勒的同名作品。画面是一个农村的耕地，背面是农民的房屋。画的右方一位农妇扶着小女儿帮助她学步。左方女婴的农民父亲蹲在地上张开双手鼓励她向前走。这虽然是梵高临摹米勒的作品，但是整幅画都显露出梵高个人的风格。画面用色鲜明，多用蓝，黄和绿色。这些高明度及属于自然界的颜色，让人感受到活跃的生命力。他让画中的人和物框上厚实的黑色线条，这明显是受到日本艺术的影响，亦让画面增加实在的感觉。另外，他亦以弯曲旋转的笔触绘画树、灌木和农作物。这是他成熟画作中常用的手法，也令这画增加生气勃然的气息。整幅农村景象让人感到农民的实在生命，平凡但跃动又充满亲情。

5.《创造亚当》——米开朗基罗

1508年，他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务，此壁画后来成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右，是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续九幅大小不一的宗教画，均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事，分别名为《神分光暗》，《创造日，月，草木》、《神水分陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《挪亚献祭》、《洪水》、《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时四年多才完成，其中，以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量，显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。

6.《梦》——毕加索

47岁的毕加索与长着一头金发，体态丰美的17岁少女初次相遇，从此，这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。又过17年，64岁的毕加索给她的生日贺信中说:“对我来说，今天是你17岁生日，虽然你已度过了两倍的岁月。在这个世界上，与你相遇才是我生命的开始。”《梦》这幅画可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。

7.《大宫女》——安格尔

此画约于1814年完成，为纵91厘米，横162厘米。现藏于巴黎卢浮宫。法国的贵族上层对具有强烈的东方情调的土耳其内宫生活极感兴趣，一些画家为满足贵族这种视觉需要刻意去描绘土耳其闺房的淫艳生活。安格尔先后画过好几幅土耳其宫女的形象。《大宫女》就是这时期他描绘裸女题材的代表作之一。这幅画在巴黎展出时，引起了观众更大的抨击。人们说，作为达维特的学生，安格尔走得太远了。他们讽刺说:“安格尔先生画活人，就像几何学家画固体一样。为使其预算好的线条赋予素描以立体感，他什么事都做了!他把人体的各个局部忽而放大，忽而缩小，有时他感到沮丧，便不再去加强这种可诅咒的立体感，开始使轮廓完善。这就叫舍本求末，用刀鞘代替宝剑来决斗。”评论家德·凯拉特里说得较为中肯些，他曾对安格尔的学生说:“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而，安格尔的学生曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯:“他可能是对的，可是这又怎么样呢?也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了。”这幅《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，首先，色彩的“音域”受到严重破坏，背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色，以及人体的明暗和粉红色调极不谐调，其次，是前面所说的夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说:“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性，但由于安格尔的美学信念的坚定性，这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性，攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识，我们觉得安格尔具有他的探索勇气，尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。

8.《圣母子》——拉斐尔

画中圣母子坐在凳子上，背后是一片温柔和景色。风和日丽，远处的山峦融进浅蓝色的天空。右边的几簇矮树丛，把我们的目光引向了山上的那座小教堂。这使我们想到年轻的母亲与她的婴儿属于宗教的世界。母亲与孩子头上环绕的两道光环，是他们圣洁的标志。拉斐尔把年轻的母亲绘得那样甜蜜，梦幻般的脸画得如此温柔，当我们看着她时，我们想到的只能是圣母。她那双大大的眼睛根本没看任何东西，因为它们追随着她的思绪。她正在沉思，似乎没有注意到婴儿。耶稣把他的小脚放在她那只搁在膝盖的手上。她的另一只手抱着婴儿。当我们把她的双手与脸放在一起理解的时候，我们感到她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在想着耶稣与他的未来前程。与他的母亲相比，小耶稣画得比他那个年龄的男孩大是自然的。拉斐尔创作这个孩子的肖像的方式，确立了耶稣在画中的重要位置。看圣母子的脸，我们可以发现，那柔和的轮廓、大大的眼睛、挺拔的鼻子和小嘴。拉斐尔是文艺复兴时期的一位艺术家，他一直在对古代艺术进行研究。但也有不同，拉斐尔把圣母的脸画得更加温柔，他把古代女神的神态画得更精致、更柔和，赋予了一件古代异教徒的艺术作品以新的基督教的含义。拉斐尔赋予了古代美以新的生命。在他的画中，古代艺术获得了再生，并发展成一种新的不同的完美形式，拉斐尔的成就，代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。

9.《吹笛少年》——马奈

马奈早年受过学院派的六年教育，后又研究许多历代大师的作品，他的画既有传统绘画坚实的造型，又有印象主义画派明亮、鲜艳、充满光感的色彩，可以说他是一个承上启下的重要画家。他的作品(尤其是肖像画)很自然地反映出了人物的性格和心理。《吹笛少年》用几乎没有影子的平面人物画法，表现人物的实在，从这里我们可以看到马奈的才气和自负感。

10.《打阳伞的女人》——莫奈

这件作品是莫内早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女士，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女士占了画面大部分的空间，成为画的趣味中心。但左侧的小儿子与阳伞和女士也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女士面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女士衣裙上向光一面的光影形成对比(小儿子方面也一样)，就如现实中看到的一样。另外，女士摆动的头巾和长裙上的皱褶也加强了画面的动感。11.《自缢者之家》——塞尚

画中充分地运用了学到的印象派手法，在色彩方面比以前明亮了，画面富有生气，笔触较为细腻。不过，仍然保留着结实、粗犷这些原有的特征。在这幅作品中，右侧高大的屋脊与左侧房屋之间，是急剧下降的道路。在中景方面，只能看到村中房子的屋脊。这景是奥维尔村明亮的旱田与天空。前景中的屋脊与建筑物、道路，显现得坚固有力，给以厚重的感觉。在这里看不到在印象派作品中常有的那些平坦的原野。前景中巨大的物体阻碍了向远处的眺望，在平和、稳定的风景中，犹如打进了一个大楔子。用这样的构图以及选择《自缢者之家》这样的主题，不能不使人联想到塞尚本人的内心活动与其精神状态。

12.《泉》——安格尔

年轻的裸女拿着壶罐让水倒出来，其肌肉因安格尔美丽柔缓的曲线而更具魅力。色彩运用非常柔和而富于变化。表现清高绝俗和庄严肃穆的美。这幅《泉》早在安格尔在佛罗伦萨期间就开始酝酿，事隔30多年以后才最终完成。

13.《日出·印象》——莫奈

《日出·印象》描绘的是勒阿弗尔港一个多雾的早晨，晨曦笼罩下的海水呈现出橙黄色或淡紫色，天空被各种色块渲染，再现强烈的大气反光中形成的表面的色彩。这种对绘画语言本身的探索为后世许多画家所接受，从而形成了以印象派为起源的大潮流，艺术踏上了迈入现代的旅程。

14.《伏尔加河上的纤夫》——列宾

列宾(1844—1930年)，是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一，《伏尔加河上的纤夫》是他的成名之作。还在学生时代，彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情，从那时候开始，他就想描绘一幅表现纤夫的作品，以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。1870年夏季，列宾与同班同学华西里耶夫(他后来也画过有关纤夫的画)去伏尔加河旅行写生，典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性，他们生活在社会的最底层，但这是一支在苦难中练成坚忍不拔，互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的烘托起了极大的作用。因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。

15.《亚威农少女》——毕加索

立体主义以全新的方式展现事物，从几个角度去观察，把正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。在《亚威农少女》中，五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的。

16.《戴安娜的休息》——弗朗索瓦·布歇

戴安娜是希腊神话中的阿耳忒弥斯，她是月神和狩猎女神，是宙斯与勒托的女儿，阿波罗的孪生姐妹。画面中的两个裸女形象，右边的即是戴安娜，额前缀有月亮饰物，她以美艳与残忍著称;画家的目的并不在于神话本身，而是喻指路易十五时期宫中美丽的女性裸体。据说，画家画的是画室中的专用模特——缪菲姐妹，画家经过了理想化加工。就造型和色彩表现来看，实属上乘之作，但是，画得过于娇艳和刺激。

17.《维纳斯与战神》——波提切利

波提切利的作品使佛罗伦萨艺术到达了一个崭新的年代，人们非常喜爱写实主义艺术，而波提切利正是那个时代的佼佼者。他的曲线优美、优雅精致、独树一帜的作品，使他成为那个时期佛罗伦萨最伟大的天才画家。画中的战神是爱神维纳斯的情人之一。战神正在沉睡，没有佩带铠甲，而维纳斯正清醒着，其含义是爱能征服战争，即爱能征服一切。作品在当时可能是卧室家具上的装饰品，也可能是在床头上、壁板上、靠背板上或箱子上。

18.《雅各与天使搏斗》——高更

这幅看起来像是宗教题材的作品，实际上是以象征主义为特点，描绘布列塔尼半岛上农妇在教区牧师讲解教义时，眼前所产生的幻象。画的是人们脑海里的幻觉，画上以现实主义手法展现，因此画的人物不是基督徒形象。布列塔尼农妇头上戴着的古怪帽子，加强了画面的装饰效果，而宗教传说中“搏斗”场面，却被处理在不太明显的地方，以象征这些虔诚的布列塔尼农妇头脑里所映现的幻象。这个主题使他的绘画显得神秘化了，这里的红蓝黑和白色组成的画，是一幅图案，弯曲起伏的线条，类似拜占庭镶嵌画。由于内容和形式的复杂性，也使高更的艺术风格复杂化，故史家称它是一种“综合主义”高更的这种风格后来还影响了法国纳比派和野兽主义。

19.《西斯廷圣母》——拉斐尔

画面上，帷幔向两边缓缓拉开，圣母玛利亚怀抱婴儿基督从云中冉冉降落。她的脚边，跪着年老的教皇西斯廷二世和年轻美丽的圣徒瓦尔瓦拉，前者穿着沉重的法衣，用手指着圣母应该去的大地，后者目光下垂，虔敬里略带羞怯，似在为母子俩祈祷。圣母面容秀丽而沉静，眉宇之间似有隐忧，为了拯救全人类，她将不得不牺牲自己的爱子。小基督依偎在母亲怀里，他睁着大眼睛望着我们，目光里有一种不寻常的严肃感，似乎他已明白这里所发生的一切。

20.《伞》——雷诺阿

雷诺瓦擅长画人生、可爱的女人和儿童。他从这时起已摆脱了印象派手法，将重点放在素描上。这幅作品上的华丽色彩已然尽失，代之以新的尝试，亦即准确的素描。据说画面上左手提篮子的女人是以雷诺瓦之妻阿林为模特儿的。