继承与创新的结合

音乐创作一方面是继承行为，一方面是创造性劳动。继承与创新结合，是作曲的重要美学原则之一。

从根本上说，音乐创作是社会行为，因此受到社会各因素的影响，尤其是和作曲有关的艺术和技术的所有成果。继承是自然而然的。一个人如果从小受社会音乐创作行为及其结果的影响，产生创作兴趣，并学习创作，就可能最终走上音乐创作的道路。各国家和地区都如此。职业作曲者从小学习音乐，在一定年龄受到专门的作曲训练，最终掌握作曲的技术和艺术表现能力。在这个过程中，他们自然继承前人的相关成果，将相关知识和技能内化成自己的创作能力，并通过不断的实践来熟练和提高技艺，并以自己的劳动产出来服务社会。中国古代的教坊，既培养表演的乐工，也培养作曲家。近现代学校教育专设有作曲系，专门培养音乐创作人才。印度传统音乐的创作，主要靠直观模仿来学习。例如拉格，成年乐手在某一场子中间表演，少年儿童长期在旁边观摩，并通过模仿，逐渐掌握技艺。当地人普遍认为，这样的模仿学习，要十几、二十余年才能达到为他人创作、表演的水平。

前人经验总结的作曲技术理论，是后人应该继承的财富。用得好，可以创作出好作品，成功率大。用得不好，可能受到束缚，影响创新。

创新是艺术的生命。作曲家们都不愿意重复别人，也不愿意重复自己。这就是创新的意识。从接受的角度看，审美者也希望作曲家不断创作出新音乐，以满足大家新的审美需求。审美饱和不可避免会在普通审美者和作曲家身上出现；只有创新才能满足不断变化的审美需要，也只有创新才能发展多元音乐的文化生态。创新是审美追求的必然，也是音乐发展的必然。问题是如何在继承中创新，如何符合艺术发展规律来创新，而不是为了创新而创新。

从音乐历史上看，创新不是和传统的决裂，新音乐不是一下子从天上掉下来的，而是有个量变到质变的过程。例如欧洲现代主义无调性音乐，是从大小调体系逐渐裂变而来的。在大小调体系中已经蕴涵着无调性因素：所有八度平均分布的音结构都具有调性模糊的性质——三全音（八度2等分）、增三和弦（3等分）、减减七和弦（4等分）、全音阶（6等分）、半音阶（12等分）。在很多奏鸣曲再现部之前，往往有调性模糊的片段，多采用减七和弦来获得所需的效果。瓦格纳的半音阶和声，孕育了十二音体系。印象派音乐多采用增三和弦、全音阶、半音阶等，造成调性的模糊。后现代主义音乐虽然和古典至现代主义的音乐“相反”：反文化、反美学、反形式等，但是它也是从现代主义一步一步走过来的。如果将约翰·凯奇的《4分33秒》当作随机噪音的偶然音乐的典型，那么它也是从乐音逐步走向噪音，由控制逐步走向随机、由人工逐步走向自然的。其轨迹是，乐音构成噪音（音块）——非常规演奏制造噪音——直接引进噪音现成品——自然噪音。

创新作品的新颖程度，是影响听众接受的一个因素。如果新颖程度超过了听众的接受阈限，听众就会产生“怪异”的反应和反映。这时作曲家应沉得住气，相信质量好的作品终究会得到人们接受或历史的合理评价。也有不少作曲家希望自己的创新能够很快获得社会审美效益，因此在新颖程度的把握上，采取折中的做法。也就是在继承的基础上迈进一步，让听众的听觉期待有所实现，又时有“落空”。如果听觉期待每每实现，听众就会觉得缺乏新颖；如果全都落空，又会觉得难以理解。当然，“听众”有不同类型，不能一概而论。详见后述。