表演者的角色定位
在表演中，是突出表演者自我，还是突出音乐作品或作曲家，这是一个微妙的问题。这个问题和“角色内化，还是角色扮演”的问题相关。涉及上述斯坦尼斯拉夫斯基的内化（体验）说和布莱希特的扮演（程式）说，这里不再展开讨论。突出哪个主体，这在不同类别的音乐那里情况不同。以下分别阐述之。
1.大众音乐领域。
从实际情况看，这个领域的音乐表演现场是视、听、体态律动综合活动。在流行乐坛，人们关注的首先是歌星，连带关注他们的歌，而往往忽略了音乐作品的作者和演出的组织者。就像看电影，观众往往只关心眼前的一切，而不关心幕后的一切，因此影星就被突显出来。歌星是经过形象设计的，并非他日常生活中的本人。这种设计迎合了大众的综合需要，包括审美、宣泄、向往等等需要，因此大众自然以歌星为中心来介入流行音乐文化。从包装的角度看，也是以歌星为中心——专门为他们写歌、组织演出等等。由于这个领域是视觉先导，还不同程度需要体能输出，因此动感的节奏加上歌星丰富的形体动作，更使观众深受感染，不禁也手舞足蹈起来。所以歌星本人也自然要进入为他设计的角色，并在整个表演中起煽情的核心作用。有学者如美国的F.杰姆逊分析，歌星是处于自我和角色双重人格之中的。就表演而言，他们突出的是被设计的角色，是一些“公众形象”。
2.民间音乐领域。
排除实用音乐，就审美的音乐行为而言，是视听综合活动，有时还包括味觉（现场可以品尝食物）。在历史上民间艺人的地位曾经很卑微，是一种服务角色，因此他们在表演中并不突出自己。戏曲上有些表演艺术家成为名角，虽然和他们的表演水平高有关，但是也和早期的音乐商品化有关，是被有意捧红的，目的是赢利。他们在表演中也和现代歌星一样，处于双重人格，突出“名角”形象。而纯粹的民间音乐表演，除了突出重要的技艺高超的表演者之外，其他人都作为陪衬。例如印度民间音乐表演，多在场地中间举行，主唱主奏都有突出表现。表演者彼此之间常常交换眼色，露出心领神会的微笑。虽然有听众在四周，他们也带着自娱的心情表演，因此具有某些游戏的成分。表演者都是游戏的参与者。非洲等民间音乐表演也有类似的表现。这种审美和娱乐混杂的活动类似于各民族民间的杂耍表演，只是音乐的艺术成分较高。
3.艺术音乐领域。
这个领域的表演现场也是视听综合活动。但是对于音乐耳朵来说，听觉是主要的，因此音乐本身是最重要的，是审美对象。音乐仅仅是通过表演者转化成音响，所以表演是被附带觉知的。当然，这种附带觉知可以强化音乐审美感知和感受。这正是现场听赏的特殊性和价值之一；人们去表演现场就是为了使感受更丰富。原样主义的表演，例如在欧洲宫廷表演海顿的交响乐，在视觉上再现了历史，用过去的环境、服装、阵容等，配合过去的乐器发声，给听众许多有益的附带觉知，使他们身临其境，获得“原汁原味”的体验和感受。当然，只有外行看热闹才突出视觉，注意力集中在指挥的手势或表演者的动作表情上。因为他们要依靠这些视觉因素来帮助自己理解音乐。由于艺术领域突出音乐的听觉性，因此表演者应尽量减少多余的动作和表情，避免过分突出自我，给人哗众取宠的印象，引起反感。对于著名音乐家的表演，人们往往视听并举，到现场既为了一睹名家风采，也为了欣赏美妙的音乐。而对名家来说，仍然要注意表演的分寸。至于后现代主义音乐的表演，例如行为艺术的音乐，有些声部需要用眼睛观看，表演者也不能突出自己，否则会把听众带出音乐之外（尽管这音乐是反形式的）。
思考题
1.音乐表演有何功能意义？
2.音乐表演需要哪些美学条件？
3.音乐表演行为有何特点？
4.音乐表演应遵循哪些美学原则？
5.音乐表演领域有哪些常见问题，应如何处理？